FRÉDÉRIC ANTOUN : « Il nous faut montrer que l’opéra est non seulement un art vivant, mais aussi un art qui a un avenir ! »

Pas trop stressante, la succession des contre-ut dans l’air de Tonio ?
Si on en a un, on a les 9 ! J’ai beaucoup de plaisir à chanter Tonio, le public adore ce rôle aussi, ce n’est que du bonheur ! Je me dis qu’un jour, peut-être, je pourrai tenter Radamès. Contrairement à ce qu’on pourrait croire, l’orchestration d’Aida n’est pas si lourde…

Alfredo est parfois considéré par certains comme un personnage un peu falot, pas forcément facile à faire vivre sur le plan dramatique…
Alfredo n’a peut-être pas l’épaisseur d’un personnage shakespearien, mais enfin il s’agit, pour le faire vivre, d’être amoureux, jaloux, en colère, repentant : bref, tout ce qu’on demande habituellement à un ténor ! L’incarnation se fait presque toute seule si on respecte la partition dans les nuances et les articulations qu’elle demande, mais aussi si on a une partenaire qui est à l’écoute et qui vous donne ce dont on a besoin pour réagir : « Acting is reacting ! », comme on dit !

Vous êtes-vous glissé facilement dans cette mise en scène de Simon Stone, qui est tout de même assez particulière puisque l’action est transposée à l’ère des réseaux sociaux ?
Pas si facilement, il m’a fallu un temps d’adaptation : je suis une « pièce rapportée » dans cette production, que connaissent déjà Zuzana Marková et Ludovic Tézier, puisqu’ils étaient présents lors de sa création. C’est toujours un peu compliqué, quand on est sur le plateau, de savoir ce que le spectacle rendra vu de la salle, surtout que dans cette production, l’écran forme comme un contrepoint auquel nous, sur scène, n’avons pas accès ; mais qu’on adhère ou pas à cette lecture de l’œuvre, j’ai le sentiment en tout cas qu’elle est cohérente et que le concept fonctionne très bien ! Et puis, je dois dire que les conditions de travail à l’Opéra Bastille sont vraiment très agréables pour les artistes.

Vous êtes en tout cas habitué aux mises en scène un peu atypiques : vous avez participé, au Palais Garnier, au Cosi d’Anne Teresa De Keersmaeke, qui était en partie chorégraphié, ou encore à la Manon d’Olivier Py…
Oui, c’est chouette de s’éloigner des mises en scène dites traditionnelles de temps à autre et je n’ai rien contre, au contraire : cela permet de voir ces œuvres sous un autre jour, à travers un prisme ou un angle de vue différent. En fait, la seule chose qui me dérange vraiment, c’est lorsque j’ai le sentiment que le metteur en scène ne connaît pas l’œuvre. Le plus important pour moi, c’est qu’il soit préparé, et qu’il ne soit pas là juste pour plaquer un concept général sur l’opéra sans le connaître, sans tenir compte de ce que disent le texte et la musique. Cela arrive parfois… En ce cas, on fait de son mieux, on patiente, et on se dit : « Ça va passer ! Dans deux mois, c’est terminé ! ».

Concernant l’évolution de votre répertoire, vous avez cet automne chanté pour la première fois Le Chant de la terre de Mahler… Doit-on y voir un élargissement de votre répertoire vers les compositeurs germaniques ?
Pour Le Chant de la terre, on m’avait dit que ce serait une version orchestralement « allégée » : la version Schönberg [2]. Finalement, ce n’était pas ça du tout, c’était au moins la version Schönberg puissance 6 ! Les cordes étaient augmentées, les bois doublés… Mais cela s’est bien passé, je me suis senti assez à l’aise même si j’étais nerveux car cela faisait six mois que je n’étais pas monté sur scène. Ceci dit je ne m’attaquerais pas à la version originale de Mahler… Mais ce qui me fascine dans cette œuvre, c’est la prosodie, la correspondance entre la musique et les mots. J’aime beaucoup l’allemand, j’adore chanter dans cette langue (je la trouve infiniment expressive), même si cela ne m’arrive pas très souvent.

Votre répertoire est très vaste, il va du baroque à l’opéra contemporain : vous avez notamment chanté deux fois des œuvres de Thomas Adès, La Tempête, et L’Ange exterminateur, que vous avez créé à New York. C’est important pour vous de ne pas négliger la musique d’aujourd’hui, voire la création ? Comment travaille-t-on une partition contemporaine ? De la même façon qu’une partition ancienne ?
J’adore l’opéra contemporain. J’ai vraiment beaucoup aimé travailler avec Thomas Adès, et il est d’ailleurs prévu que je chante de nouveau La Tempête. Caliban est même à coup sûr un de mes rôles préférés ! Personnellement je travaille la musique contemporaine exactement de la même façon que toute autre musique, je sais simplement qu’il me faudra sans doute un plus long temps d’apprentissage. Mais en même temps, c’est très stimulant d’être sans cesse  déstabilisé, par le changement de métrique, la rythmique… J’aime le fait que la ligne musicale soit brisée, qu’il y ait des sons disjoints : cela donne à la musique un caractère impulsif, spontané et changeant qui me plaît beaucoup. Par ailleurs, il est évident que jouer des opéras contemporains, créer des œuvres nouvelles contribue à faire vivre le genre, c’est absolument indispensable. Il nous appartient de montrer que l’opéra est non seulement un art vivant, mais aussi un art qui a un avenir !

 [1] L’interview a été réalisée le mercredi 9 décembre, avant que ne soit annoncée la prolongation de la fermeture des salles de spectacles.
[2] Il s’agit d’une version dépouillée, destinée à un ensemble de chambre constitué de treize instrumentistes.