Mettre Rigoletto en abyme sans l’abîmer : gageure tenue à l’Opéra de Nancy !

Pour donner corps et voix à l’ambitieux projet de Richard Brunel, l’Opéra national de Lorraine a réuni une distribution où l’équilibre entre la somptuosité des timbres et la crédibilité des acteurs est subtilement trouvé.

Dans le rôle-titre, Juan Jesús Rodríguez impose un authentique baryton-Verdi à la voix sombre, ductile, vaillante dans les passages les plus aigus du rôle et toujours d’une expressivité parfaite. À l’exception du long duo entre Gilda et le Duc, Rigoletto est presque constamment sur scène et son interprète doit varier en permanence les expressions de son chant : Juan Jesús Rodríguez y réussit remarquablement et sait alterner l’introspection mélancolique (« Quel vecchio maledivami »), la bienveillance paternelle (« Veglia, o donna, questo fiore »), le désespoir abyssal (« Ebben, piango ») et la soif de vengeance (« Si, vendetta, tremenda vendetta »).

Pour rendre crédible le personnage de Gilda tiraillée entre la nécessité d’obéir à son père, ses rêves de devenir danseuse et son attirance pour le Directeur d’une troupe de ballet, il fallait une interprète capable de se glisser dans un personnage de femme-enfant. La soprano espagnole Rocío Pérez y réussit parfaitement : avec un timbre très proche de celui de Patrizia Ciofi, elle se joue des coloratures de l’aria « Caro nome » et réussit même le tour de force d’en exécuter les notes les plus aiguës sur les pointes, comme pour mieux appuyer l’idée que la danse et le chant sont des Arts aussi périlleux et exigeants l’un que l’autre.

Interagissant presque constamment avec Rigoletto et sa fille, le personnage de la mère de Gilda est confié à la danseuse Étoile Agnès Letestu. Silhouette fantomatique exprimant par la danse la douleur qui continue de l’habiter, ce personnage muet hante le spectacle telle une willi qui cherche tantôt à consoler son ancien époux, tantôt à protéger son enfant d’une attirance mortifère pour le Duc. La longue tunique blanche portée par Gilda au moment de son ultime duo avec Rigoletto laisse imaginer que mère et fille partagent in fine la même « malédiction ».

Aux côtés de partenaires aussi dramatiquement engagés et vocalement en état de grâce, le ténor russe Alexey Tatarintsev déçoit un peu. Le timbre sonne clair, les aigus sont percutants, l’artiste respecte les nuances écrites par Verdi dans le tube « La dona è mobile »… mais l’artiste semble essentiellement préoccupé à produire du beau son à défaut de véritablement faire corps avec son personnage.

Parmi les nombreux comprimarii, beaucoup tirent leur épingle du jeu et donnent dores et déjà envie de les retrouver très vite sur une scène d’opéra dans des rôles plus conséquents. À l’applaudimètre au moment des saluts, Önay Köse semble avoir conquis le public nancéien : cette jeune basse turque au timbre sonore campe un Sparafucile madré et bien chantant. En mère maquerelle prête à vendre la vertu de sa protégée contre monnaie sonnante et trébuchante, Aline Martin fait honneur au chœur de l’Opéra national de Lorraine dont elle est issue tandis que le jeune baryton italien Francesco Salvadori prête son timbre élégant et incisif aux brèves interventions du personnage de Marullo. Si elle a incontestablement de Maddalena la gouaille et l’abattage, Francesca Ascioti n’en avait pas l’ensemble des moyens vocaux ce soir de Première, déséquilibrant un peu le quatuor du dernier acte « Bella figlia dell’amore ».

Même si la partition de Rigoletto n’en mobilise que les membres masculins, le chœur est souvent chez Verdi un personnage à part entière du drame. Très idiomatiquement préparé par Guillaume Fauchère, le chœur de l’Opéra national de Lorraine s’est virilement illustré à chacune de ses interventions, notamment au deuxième acte (« Scorrendo uniti remota via »).

Rompu au style verdien après de longues années passées sous la direction musicale du chef italien Paolo Olmi qui dirigeait la précédente production de Rigoletto à Nancy en 2009, l’orchestre de l’Opéra national de Lorraine se révèle incisif sous la baguette d’ Alexander Joel. Après quelques décalages dans les premières scènes du spectacle, le chef rétablit rapidement le juste équilibre entre la fosse et le plateau et impose une tension musicale qui convient bien à la violence des passions qui se jouent sur scène. Tous les pupitres sont au diapason mais ce sont les vents dont on apprécie particulièrement la précision des attaques, notamment dans la grande scène de l’orage du dernier acte.

Au rideau final, les artistes réunis pour saluer manifestent entre eux une joie sincère et communicative d’avoir pu enfin donner une représentation après de si longs mois de fermeture des théâtres. Les applaudissements nourris des spectateurs et les longs rappels qui ponctuent la soirée témoignent aussi bien de leur adhésion à un spectacle exigeant que du plaisir à renouer avec le spectacle vivant.