Douze ans après Aix-en-Provence, la Traviata nancéienne renouvelle évidement toute la distribution et offre à une génération de jeunes artistes l’opportunité d’inscrire leur début de carrière internationale dans la mythologie de cette production.

On se préservera évidemment de comparer Enkeleda Kamani à sa devancière, sinon pour souligner que son instrument convient autrement mieux à Violetta que la voix de Natalie Dessay qui – force est de le reconnaître – ne s’est jamais totalement approprié ce rôle. De la dévoyée, la jeune soprano albanaise possède incontestablement l’agilité vocale nécessaire pour négocier le final du premier acte, comme le tempérament dramatique indispensable pour affronter l’immense duo du tableau campagnard avec Germont ou la scène de la fête chez Flora. Dans tous ces instants cruciaux du drame, Enkeleda Kamani fait montre d’une voix sainement projetée, d’aigus ciselés et d’une longueur de souffle qui lui permet de se jouer des difficultés de l’écriture encore belcantiste d’une partie du rôle de Violetta. Mais c’est véritablement dans l’acte de la mort que la chanteuse gagne ses galons de grande Traviata : outre la transfiguration physique qu’elle y opère (dépouillée de sa perruque et de sa robe, elle devient littéralement une autre femme), elle réussit à trouver dans sa voix et dans son jeu des trésors d’authenticité qui, sans verser dans les excès véristes de certaines interprètes, font tout le prix de ses débuts dans un rôle qui l’accompagnera sans doute longtemps. Musicologiquement, le seul reproche qu’on pourrait lui adresser serait d’avoir systématiquement raccourci ses grandes arie à un seul couplet : « Ah fors’è lui » et « Addio, del passato » sont effectivement réduits à la portion congrue et on aurait été curieux d’entendre comment l’interprète est capable de nuancer son chant tout en improvisant des ornementations. Souci de se préserver un soir de Première ou décision de la cheffe d’orchestre de proposer un Verdi réduit à l’os de la partition ? Nul doute que l’artiste aura très vite l’occasion de rechanter Traviata dans une version plus exhaustive de l’œuvre.

Débarqué du Nouveau Monde où sa jeune carrière s’est jusque-là cantonnée, le ténor mexicain Mario Rojas réserve à Nancy – après Toulouse et Catane – l’une de ses premières apparitions européennes dans un grand rôle du répertoire. L’artiste n’en est cependant pas à son premier Alfredo : il y a cinq ans déjà, il l’a interprété au débotté au Palacio de Bellas Artes de Mexico pour remplacer un artiste défaillant. C’est peu dire que ce rôle convient idéalement à la vocalité de ce jeune artiste sud-américain : d’Alfredo, Mario Rojas possède le timbre solaire et velouté, le phrasé rigoureusement idiomatique et la silhouette juvénile. Si le jeu d’acteur peut encore s’épurer de quelques scories ou de gestes trop emphatiques lorsqu’il s’agit d’exprimer le désespoir, le tempérament incandescent du tragédien transparait dans le plaisir qu’il prend à être sur scène et rappelle favorablement l’énergie bouillonnante du jeune Rolando Villazón au même âge.

Issu lui aussi de l’école albanaise de chant, Gezim Myshketa a déjà roulé sa bosse sur les planches d’un bon nombre de grands théâtres européens dans des rôles importants du répertoire. Son timbre cuivré de baryton à l’autorité marquée conviendrait idéalement à Germont si, dans le grand duo qu’il partage avec Violetta, la voix ne s’engorgeait au point de gêner désagréablement l’émission de certains graves. Après l’entracte, l’intervention du patriarche chez Flora et sa réapparition chez Violetta sont négociées avec plus de bonheur, la voix de Gezim Myshketa trouvant une projection plus saine et libérant l’instrument du trac qui le paralysait peut-être un peu en début de représentation. Scéniquement, l’acteur fait forte impression : sans pathos, il réussit à incarner un père de famille inflexible mais touché néanmoins par la sincérité des sentiments de Violetta pour son fils.

Saluons le talent et le flair qui ont permis à l’Opéra national de Lorraine de réunir autour des protagonistes principaux tout un ensemble de comprimari dont pas un ne démérite. Rouée et fêtarde en diable, Marine Chagnon incarne du corps et de la voix une Flora séduisante au timbre opulent tandis que l’Annina de Majdouline Zerari compose une confidente discrète mais vocalement bien présente au moment d’accompagner sa maîtresse aux portes de la mort.

Pour incarner les noceurs, Grégoire Mour, Yoann Dubruque et Jérémie Brocard forment un trio complice de joyeux mousquetaires qui ont chacun une identité vocale bien marquée. Dramatiquement très engagé, le premier est un Gastone gouailleur à qui Jean-François Sivadier va jusqu’à confier un rôle central dans le divertissement espagnol de la fête chez Flora. Son timbre de ténor léger séduit l’oreille du mélomane tandis que la manière dont il se débarrasse de sa chemise fait monter de quelques degrés la température pourtant déjà élevée de la salle ! Plus sobre dans son jeu d’acteur mais pas moins fin instrumentiste, Yoann Dubruque est un Douphol aristocratique et élégant bien éloigné de la caricature de barbon à laquelle il est souvent réduit. Sonore et solidement projeté, son timbre de baryton a de quoi séduire les casteurs des maisons d’opéra pour les saisons à venir. Quant à Jérémie Brocard, entendu dans une Traviata rémoise de début de saison, il a troqué sa trousse de médecin pour la coiffure ébouriffée du marquis d’Aubigny, l’amant volage de Flora. Son jeu d’acteur est parfaitement naturel et ses quelques interventions sont autant d’occasions d’apprécier une voix grave et bien chantante, homogène dans tous les registres.

Afficher Jean-Vincent Blot en docteur Grenvil est un luxe comme seul l’Opéra de Nancy est capable de s’en offrir : quelques répliques énoncées d’un timbre d’airain campent instantanément le personnage de ce médecin empathique sous le charme de sa patiente.

Le Chœur de l’Opéra national de Lorraine est comme souvent chez Verdi sollicité à l’instar d’un protagoniste supplémentaire. Que ce soit chez Violetta, chez Flora ou backstage lorsqu’ils entonnent « Largo al quadrupede », les choristes nancéiens se caractérisent tous par une netteté des attaques et par une énergie enthousiasmante dans les grands tuttis qui ponctuent les scènes de fête. Mais c’est dans les moments plus dramatiques comme la grande déploration « Oh, quanto peni ! Ma pur fa cor » que le chœur se fait entendre sous son meilleur jour, homogène à tous les pupitres et d’une sonorité parfaitement idiomatique.

Directrice musicale de la maison depuis cette saison, Marta Gardolinska enchaine les productions et assure la direction de cette Traviata après avoir déjà conduit l’ensemble des représentations de Manru de Paderewski le mois dernier. Est-ce l’effet de la fatigue accumulée au cours de la saison, ou un manque criant d’affinité avec l’univers verdien, mais sa direction nous a paru le soir de la Première à la fois routinière et paresseuse, sa battue métronomique réduisant la plupart du temps l’Orchestre de l’Opéra national de Lorraine au rôle ingrat d’une énorme guitare qui marque la mesure sans véritablement prendre part au drame qui se joue sur scène. Cette atonie est d’autant plus étonnante que les deux préludes du premier et du troisième acte sont subtilement amenés, chargés d’émotion retenue et soutenus par des cordes soyeuses, en très grande forme. Les musiciens n’ont pour leur part rien à se reprocher : leurs attaques sont franches, à l’unisson, et les solos instrumentaux sont tous négociés avec rigueur et professionnalisme, mais il manque à cette Traviata une direction musicale plus engagée et mieux inspirée pour réaliser l’Œuvre au noir et transformer le plomb en or.

Au rideau final, le spectacle est accueilli chaleureusement par le public nancéien qui réserve notamment une ovation à la prestation d’Enkeleda Kamani et à l’apparation de Jean-François Sivadier présent à Nancy depuis six semaines pour assurer lui-même tous les réglages indispensables à la recréation de son spectacle aixois. Assistons-nous pour autant à une grande Traviata ? Longtemps après le spectacle, le sentiment désagréable perdure que, sans avoir vu Italienne avec Orchestre ni connaître le lien si particulier que le metteur en scène entretient avec son sujet depuis trois décennies, on ne saisit pas vraiment l’entièreté de son propos et que cette Traviata demeure une performance dont les arcanes sont réservés à quelques happy few.