Les errements de la mise en scène de Lilo Baur sont d’autant plus douloureux que, musicalement, l’Opéra Comique est parvenu à réunir sur le plateau et dans la fosse une équipe d’artistes particulièrement investis pour servir au mieux la musique de Gluck et cette Armide si rarement donnée à Paris en version scénique.

Depuis sa participation en 1986 à l’anthologique Atys mise en images par Jean-Marie Villégier, et plus encore depuis le projet Tragédiennes qu’elle a mené avec Christophe Rousset dans les années 2000 sous la forme de trois récitals publiés chez Erato, Véronique Gens s’est forgé la réputation méritée d’une baroqueuse patentée, soucieuse de rigueur musicologique et interprète racée des grandes héroïnes tragiques des XVII et XVIII^e siècles. À son tableau de chasse qui compte déjà l’Armide de Lully et les principaux personnages féminins du catalogue de Gluck (Alceste et les deux Iphigénie), il manquait encore l’ensorceleuse Armide qu’elle incarne aujourd’hui avec une évidence dont personne ne pouvait douter. Parfaitement à l’aise dans un rôle qui sollicite essentiellement le medium de l’instrument et qui nécessite une parfaite diction des alexandrins classiques du livret très littéraire de Quinault, la soprano délivre d’un bout à l’autre de la soirée une magistrale leçon de style français où la beauté du chant n’interfère jamais avec le sens du propos. Véronique Gens est une diseuse qui réutilise à la scène la science exacte du mot qu’elle a appris en récital : de sa bouche s’écoule le flot élégant du français du Grand Siècle, des liaisons parfaitement placées et des diérèses idéalement articulées. Tragédienne autant que musicienne, elle compose une Armide d’abord hautaine et souveraine avant que le doute amoureux ne fasse vaciller ses certitudes et n’ouvre son cœur aux affres de la passion. Prisonnière de ce que Marcel Proust appelait si délicatement « les intermittences du cœur », elle fait évoluer son personnage par nuances subtiles jusqu’à l’acmé du dernier acte, dramatiquement et musicalement proche de l’idéal. Les supplications « Vous partez, Renaud, vous partez » sont délivrées avec une sincérité désarmante tandis que dans la dernière grande scène « Le perfide Renaud me fuit » Véronique Gens sait plier son timbre à toute une série d’émotions contradictoires qui passent par le désespoir, le regret, la colère et la furie, autant d’étapes indispensables pour espérer faire le deuil de l’amour illusoire qu’elle ressentait pour son amant. Les notes aiguës qui ponctuent cette introspection des sentiments trouvent toutes une parfaite justification dramatique et confirment quelle interprète précieuse et délicate est Véronique Gens au sein de cette génération des grands chanteurs français éclos avec la révolution baroque.

Moins idiomatique mais dramatiquement aussi engagé que sa partenaire, Ian Bostridge campe un Renaud viril à la voix large, sonore, presque surdimensionnée pour la salle Favart. De sa longue expérience du récital, surtout en langue allemande, le ténor britannique a lui aussi recueilli les fruits et même si une pointe d’accent trahi son anglicité, il est capable de liaisons piégeuses que bien des chanteurs francophones oublient de prononcer (dans la première scène de l’acte V, Ian Bostridge prononce « mo nespoir » comme un vrai titi parisien). Présent en scène durant les seuls actes II et V, il réussit néanmoins à colorer le personnage de Renaud d’une palette de sentiments qui vont de la fatuité à la docilité amoureuse jusqu’au moment où, grâce à l’aide de ses compagnons d’armes, il retrouve sa lucidité et la force d’abandonner Armide à qui il préfère les mâles accents de la gloire. La preuve enfin de l’adéquation de Ian Bostridge à l’esthétique gluckiste tient dans l’aisance avec laquelle il se coule dans les choix de tempi audacieux de Christophe Rousset : la ritournelle « Quand on peut mépriser le charme de l’amour » est délivrée avec aplomb, d’une voix pleine et virile.

Distribuer Edwin Crossley-Mercer en Hidraot est un luxe qu’ont su apprécier les spectateurs de cette Première ! Artiste en pleine possession de ses moyens vocaux, le baryton-basse franco-irlandais possède un timbre d’un velours sombre et une émission claironnante qui conviennent idéalement à l’oncle d’Armide préoccupé de sa postérité. Dans les ariettes « Je vois de près la mort qui me menace » et « Pour vous, quand il vous plaît », la noirceur moirée de son instrument confère autorité à son personnage et fait tout le prix des notes les plus graves que le chanteur va chercher au creux de sa poitrine sans jamais perdre en intelligibilité. Crédible par le seul enchantement de sa voix, le personnage d’Hidraot avait-il vraiment besoin d’être porté sur les épaules de ses serviteurs et de claudiquer comme un vieillard cacochyme ? Lilo Baur semble penser que oui.

Confié à la mezzo Anaïk Morel, le rôle de la Haine qu’Armide invoque au III^e acte pour ne pas céder au charme de Renaud est lui aussi malmené par la dramaturgie qui en fait à tort une sorte de double de la Folie ramiste. Comment imaginer en effet que Lilo Baur ne connait pas la mise en scène de Platée qui fait les beaux jours du palais Garnier depuis déjà vingt ans ? Les costumes de la Folie et de la Haine semblent effectivement sortis du même atelier mais la comparaison s’arrête là. Composé pour une voix de mezzo, le rôle de la Haine sollicite effectivement des notes très tendues et une virtuosité qui poussent la jeune artiste dans ses retranchements. Sans démériter, Anaïk Morel peine cependant à suivre le tempo infernal imposé par le chef dans « Plus on connaît l’Amour » et l’émission s’affaiblit dans les notes les plus graves en partie couvertes par l’orchestre.

Au côté de ces têtes d’affiche, quatre jeunes chanteurs se voient confier plusieurs rôles et contribuent eux-aussi à la réussite musicale de cette soirée. Côté voix féminines, Florie Valiquette et Apolline Raï-Westphal apparaissent dès le début du premier acte en suivantes d’Armide. Complices et piquantes, leurs voix bien contrastées dialoguent élégamment et servent d’écrin aux premières interventions de Véronique Gens qui forme avec elles un séduisant trio. C’est cependant au IV^e acte, lorsqu’elles prêtent leurs voix aux apparitions de Mélisse et Lucinde, que ces deux sopranos font le mieux valoir leurs individualités et le raffinement de leur chant.

Philippe Estèphe et Enguerrand de Hys complètent la distribution trois étoiles de cette Armide. Aussi dissemblables qu’on puisse l’être, ces chanteurs français attestent qu’il existe désormais une jeune génération d’interprètes baroqueux prêts à faire fructifier l’héritage de ceux qui leur ont ouvert la voie à la fin du siècle dernier. Sonore et convaincant dans la brève intervention d’Aronte « Ô Ciel, ô disgrâce cruelle », c’est surtout dans l’acte IV et le rôle d’Ubalde que le baryton Philippe Estèphe peut faire valoir une musicalité élégante, des aigus brillants et une impeccable prononciation des alexandrins classiques. Face à lui, le ténor Enguerrand de Hys est un sparring partner de grand luxe au timbre lumineux et au jeu d’acteur très fluide. D’abord intrigante, sa manière d’appuyer les consonnes sifflantes devient rapidement une identité vocale attachante et son chevalier danois s’impose dans la mémoire du spectateur comme l’une des belles découvertes de la soirée.

Dans la fosse de la salle Favart à la tête de ses Talens lyriques, Christophe Rousset assume crânement d’être l’un des meilleurs défenseurs de ce répertoire qui fait le pont entre le bel canto du premier settecento et l’épanouissement du classicisme mozartien. À l’Armide de Gluck, le Maestro impose dès l’ouverture des tempi inhabituellement rapides mais qui font d’autant mieux craindre le moment où la magicienne se laisse prendre au piège de ses propres sentiments. Flatteurs à l’oreille, ces tempi permettent surtout de créer des contrastes saisissants entre l’urgence des scènes dramatiques et la langueur des scènes plus élégiaques comme celles du sommeil de Renaud ou du chœur des Plaisirs du dernier acte. Christophe Rousset n’est effectivement jamais mieux à son avantage que dans ces ruptures de rythme et il peut compter sur les musiciens des Talens lyriques pour créer des effets musicaux saisissants comme lorsqu’ils parviennent à faire gémir leurs violons au moment le plus incandescent du drame.

Très sollicités par la mise en scène de Lilo Baur, souvent de manière un peu brouillonne, le Chœur des éléments ne cache pas sa joie de participer à ce nouveau projet scénique dans lequel il peut faire valoir l’homogénéité de ses pupitres et la rigueur millimétrée de ses interventions.

Au rideau final, Véronique Gens est la grande triomphatrice de la soirée, adoubée par le public comme l’une des meilleures interprètes de Gluck qu’on puisse entendre actuellement sur la scène baroque internationale. Dans l’euphorie de cette soirée de Première, l’équipe de production reçoit elle-aussi son lot d’applaudissements mais comment ne pas regretter qu’on n’ait pas préféré reprendre à l’Opéra Comique la production que Barrie Kosky avait conçue il y a quelques années pour Amsterdam plutôt que de prendre le risque d’un tel ratage ? À défaut de voir enfin à Paris une Armide tout à fait réussie, on se précipitera salle Favart jusqu’au 15 novembre pour entendre un spectacle musicalement enchanteur.