La Dame Blanche à l’Opéra-Comique : porter les enchères de l’opéra-comique du XIXe siècle

Les romans gothiques anglais de Walter Scott (1771-1832), prisés au point de créer un style troubadour en France, sont à l’origine du livret concocté par Scribe (notamment d’après Guy Mannering). Il exploite la couleur locale écossaise dans l’univers du château d’Avenel en 1759 où se côtoient fermiers, intendant, juge, le soldat Georges Brown et Anna, la jeune pupille des châtelains disparus. La dramaturgie s’arcboute sur la double identité du couple des jeunes héros, une ficelle mélodramatique renouvelée : d’une part le soldat Georges, rendu amnésique par une vie éprouvante  (re)devient le noble Julien d’Avenel au dénouement. D’autre part, la pupille Anna (compagne de leurs jeux d’enfance), déjà amoureuse du beau soldat qu’elle a soigné sur le continent, se métamorphose en légendaire « Dame blanche » afin de préserver le patrimoine des d’Avenel, ses parents adoptifs. Portées par une légende médiévale que le peuple vénère (« Prenez garde ! La dame blanche vous regarde »), les apparitions de la Dame, distillées aux 2e et 3e actes ne forment qu’un subterfuge capté par l’orpheline pour sauver le château de la rapacité de l’intendant Gaveston. Le rajout de cette apparition pendant l’Allegro de l’ouverture, façon « Hauts de Hurlevent », est plutôt ingénieux lorsqu’il correspond à la relation ultérieure d’une protagoniste.

Cependant, ces lieux et manigances, consubstantiels à toute intrigue écossaise, n’offrent pas que des perspectives pittoresques. Le réalisme du librettiste-vaudevilliste infléchit l’histoire de revenante vers une intrigue plus bourgeoisement réaliste, notamment vers un sujet « d’actualité politique » sous la Restauration, soit retrouver sa fortune et son château après la Révolution, d’où l’originale idée de Scribe d’inclure la vente dudit château à son scenario. L’autre trouvaille dramatique émane, elle, du compositeur qui connaît sur le bout des doigts son Richard-Cœur-de-lion de Grétry. Au dénouement de La Dame Blanche, c’est grâce à la mémorisation d’un air écossais ancien que s’opère la révélation de Georges Brown. En l’écoutant chanté par les fermiers, l’amnésique troublé retrouve son identité d’héritier d’Avenel, alors qu’il vient d’entrer en  possession du château grâce aux stratégies d’Anna.

À l’instar de la romance « Une fièvre brûlante » chez Grétry, ce sésame d’une mémoire de l’enfance, cette thématique du souvenir chère au genre opéra-comique, devient le fil conducteur de la mise en scène de Pauline Bureau (nominée aux Molière 2019). Et ce, sans alourdir son propos psychanalytique. Sur le plateau de la salle Favart, l’objet poupon/poupée des jeux d’enfance, les projections vidéos des enfants Anna et Julien dans les cadres dynastiques du château (vidéos de Nathalie Cabrol) inscrivent les étapes de cette mémoire enfouie par les errances et peu à peu reconstruite par la magicienne Anna, elle-même émue de renouer avec ces lieux (« Enfin je vous revois, lieux de mon enfance ! », 3e acte). La magie s’exerce d’ailleurs avec quelques trouvailles et accessoires rajoutés (Benoît Dattez, magicien). Cette quête mémorielle s’accomplit sans trahir un certain réalisme gothico-écossais des décors, proches des didascalies. Les spectateurs découvrent les landes pittoresques autour de la ferme des Dickson, proche de sites mégalithiques des Highlands (1er acte), puis l’embrasure gothique érodée du château, près du rouet de Marguerite (bientôt celui de la Marguerite de la Damnation de Berlioz), une nourrice sortie d’une enluminure médiévale avec son faucon (2e acte), enfin « un riche appartement gothique » où le temps passé est incarné par statues et portraits d’ancêtres (3e acte). Traversant ces espaces, le peuple écossais en tartans colorés, peaux de mouton jetées sur l’épaule de quelques rouquins, joue la note locale. Astucieusement, le praticable en hauteur se transforme tour à tour en plateau des landes, en table du juge lors des enchères à la bougie, ou en galerie du salon apte aux chassé-croisé de la fausse revenante. Dans la recherche spatio-temporelle de profondeur, c’est de la pierre tombale ancestrale que surgit la Dame au dénouement, bientôt remplacée par l’intendant damné en rouge fluo, aspiré comme dans un escape game !

Ces aspects romanesques sont également distanciés par les auteurs de 1825, l’émotion cédant souvent la place au prosaïsme des situations, voire à l’humour distancié. Le chœur introductif des montagnards écossais résonne … à la manière d’un jodel bavarois ! Autre exemple, le couple des fermiers Jenny et Dickson s’avère d’un pragmatisme à toute épreuve dans la recherche d’un parrain à leur nourrisson et le maintien de leur aisance. Plus naïf et très naturel, Georges Brown (Philippe Talbot, d’une décontraction juvénile) est capable de s’exclamer « La Dame blanche, je n’y crois pas, mais je l’aime ! » ou de lutiner la fermière Jenny en faisant cascader « Il a peur ! » lors de leur marivaudage. Toutefois, le réalisme devient plus inquiétant dans toute situation impliquant l’ambitieux prédateur Gaveston, dont les jeux scéniques avec badine identifient bien son appétit de gain et de titre nobiliaire. Lors de la création de l’opéra, ce réalisme social, celui de nobles écossais évincés aux biens confisqués sous les Stuart, converge avec la situation politique française. En effet,  le retour des Bourbons sous la Restauration (l’opéra est dédicacé à la bru du roi Charles X) s’accompagne de la loi votée « du milliard aux émigrés » les indemnisant de la perte de leurs biens sous la Révolution. Dans cette orientation idéologique, le dialogue nous interpelle par la mention « quelle riche capitaliste », révélant l’arrière-fond patrimonial de l’intrigue sentimentale. Mais Heine ne déclarait-il pas que sentimentalisme et matérialisme caractérisaient le comportement français ?