Décolonialiser Aida à l’Opéra de Montpellier

Les mélomanes connaissent le contexte colonial de commande de la fresque lyrique adressée à Verdi.  Destiné à inaugurer l’Opéra du Caire peu après l’inauguration du canal de Suez, le mélodrame italien met en scène l’affrontement entre Egypte et Ethiopie, d’après une trame de l’égyptologue français Mariette. En sous-main, l’évocation des récentes colonies italiennes (Ethiopie) est une lecture opérante pour les publics du XIXe siècle. Au XXIe siècle, quelle lecture proposer d’Aida, qui puisse restituer tant le drame des amants condamnés – l’esclave éthiopienne Aïda et le général égyptien Radamès – qu’une interprétation géopolitique qui soit recevable  ? Quelle représentation peut s’accorder avec la pensée décoloniale ? Celle qui nourrit par exemple la production d’Aida aux Arènes de Macerata (2021, V. Carrasco) sur champs pétrolifères ?

 Prenant en compte le renouveau symphonique de la transition verdienne (après Don Carlos) autant que les actuelles prises de conscience, cette production est d’une réelle efficacité dramatique. Made in England (Opera North, 2019), elle fait escale à l’Opéra de Montpellier. La mise en espace d’Annabel Arden dépasse d’autant mieux le conflit entre l’Egypte des pharaons et l’Ethiopie que l’absence de décor décontextualise en partie l’intrigue pour mieux se concentrer sur le drame intime des protagonistes, soumis au fanatisme clanique et religieux. Pour ce faire, elle « combine des éléments de théâtre expérimental avec la projection numérique (qui permettra de contextualiser l’action), la cartographie de la lumière et une utilisation plus fluide de l’espace. » (notes d’intention d’Arden). Foin du regard archéologique posé par l’Occident sur l’Orient (voir Edward Saïd), le spectateur est immergé dans la réalité de l’œuvre, déployée sur l’immense plateau (800 m²) de l’Opéra Berlioz.

Transposée dans la guerre au Moyen-Orient, l’intrigue joue de la division de l’espace scénique. Il se déploie en toute visibilité sur trois plans, fermés par un sobre pan. Jouant sur l’avant-scène, les 6 protagonistes se partagent, côté jardin l’espace du pouvoir égyptien :  le Pharaon, la princesse Amnéris et le Grand Prêtre, distingués par de chics costumes actuels. En franchissant l’arc lumineux, côté cour, les Éthiopiens opprimés rassemblent la princesse Aida en captivité et son père Amonasro, tous deux en treillis de combat, la prêtresse en voile arabe traditionnel. Entre les deux camps antagonistes, le guerrier Radamès (en treillis progressivement maculé de sang) choisit finalement celui de l’aimée, Aida, qui le rejoint dans cet espace où la table figure leur tombeau. En second plan, l’orchestre national de Montpellier Occitanie jouit d’une pleine acoustique (et vision) sous la baguette éminente du chef letton, Ainãrs Rubikis (directeur musical de la Komische Oper de Berlin). En dernier plan, surélevé, la voile blanche de l’écran géant est animée de vidéos (à gauche), tandis que le chœur mixte (à droite) joue ses différents rôles depuis les praticables en gradin. Tour à tour, il incarne le peuple oppresseur, celui des prisonniers vaincus, des prêtres égyptiens, à la manière de la tragédie antique. Sans envahir le spectacle, les vidéos (Dick Straker) actualisent l’affrontement guerrier par des visions de l’anéantissement d’Alep (Syrie) ou bien, lors de scènes intimistes, par de gros plans sur le visage, les mains ou les pieds des protagonistes, couverts de plâtre fissuré, tels des statues ou des momies de l’univers archéologique. Serait-ce la métaphore de leur destinée brisée ? Ce 3^e niveau est complété par une tribune d’où le Pharaon et le Grand Prêtre gouvernent. Dans la profondeur spatiale et acoustique du dispositif, spectateurs et spectatrices bénéficient d’une vision synoptique de l’œuvre d’art totale.

Cette configuration atypique – le chef tournant le dos aux chanteurs – produit une lecture toute en contraste de la partition inventive de Verdi. Certes, les moments triomphants du peplum résonnent avec une puissance solennelle, telle la Marche triomphale introduite par les fameuses sonneries de trompettes (stéréophonie depuis les extrémités du balcon). Ou bien plus tard le tam-tam et les trombones basses de l’orchestration pharaonique qui clôt le second acte. Mais ce sont les moments intimistes qui prennent un relief saisissant : leur instrumentation raffinée est parfaitement audible (trois flûtes lors de la Danse sacrée, une clarinette sur le motif d’Aida, etc.). Après le Prélude extatique de l’opéra (tissage des cordes divisées), signalons le charme du chant des prêtresses avec rideau de harpes (acte I) dont le rituel est esquissé par une gestuelle des bras. Et celui des ballets orientalistes sur les rives du Nil (III) est arachnéen sous les lumières nocturnes (Kevin Treacy) et les sourdines de violons. Massenet s’en souviendra pour Thaïs …