Si tout dans la mise en scène de Pierre Thirion-Vallet concourt à faire de cette Traviata un spectacle abouti, il y fallait aussi un plateau solide et une réalisation musicale rigoureuse pour soulever l’enthousiasme du public rémois.

Dès les premiers accords arachnéens du prélude, il ne fait aucun doute qu’il y a bien un chef en fosse et on ne peut être que séduit par le travail engagé par Cyril Englebert avec les musiciens de l’orchestre de l’opéra de Reims. Quoique les incursions de ce jeune chef belge dans le répertoire belcantiste aient été rares, force est de reconnaître qu’il semble très familier avec le style verdien qu’il dirige d’une baguette pointilleuse et d’un geste élégant. Très attentif au plateau, le Maestro sait accompagner les chanteurs avec attention et tisse sous leurs voix un tapis musical soyeux et nerveux à la fois, cette Traviata ne s’encombrant pas de tempi trop alanguis ni d’une respiration trop ample. Lorsqu’un léger décalage s’instaure avec un chanteur comme au début de « Pura siccome un angelo », Cyril Englebert corrige immédiatement sa battue et témoigne par là d’une réelle attention au confort des chanteurs. Il a par ailleurs sous sa baguette une phalange en grande forme : la précision des attaques des pupitres de cordes et la rondeur du timbre des clarinettes à deux moments clés de la partition (dans l’acte à la campagne et dans le prélude de l’aria « Addio, del passato ») témoignent d’un travail approfondi et abouti sur les subtilités de l’orchestration de Giuseppe Verdi.

Sur le plateau, aucun chanteur n’éclipse les autres comme cela peut arriver quelquefois lorsqu’un théâtre essaye de construire une distribution cohérente autour d’une immense star internationale. Dans le rôle de Violetta Valery qu’elle a déjà abordé il y a dix ans au Teatro della Concordia de Turin, Erminie Blondel peut faire valoir un timbre de soprano clair et agile dans les vocalises, qualités indispensables pour se jouer des chausse-trappes de la grande scène du premier acte « E strano… Ah, fors’è lui… Follie ! Follie !… Sempre libera ». Si quelques coloratures paraissent un peu raides en début de représentation, la voix gagne en assurance dès le début du deuxième acte et compose une dévoyée fragile et touchante. Erminie Blondel ne se contente effectivement pas de chanter Traviata : elle s’y engage toute entière et se consume dans un rôle qu’elle a à cœur de défendre avec la sincérité de ses talents de tragédienne. Au dernier acte, l’émotion du chant de la jeune soprano franco-américaine est même si juste qu’on n’arrive plus à dissocier la chanteuse de l’interprète dramatique. Il est souvent possible de juger la qualité d’une Traviata à l’engagement et à la sincérité qu’elle investit dans la lecture du courrier « Teneste la promessa » ; sur la base de ce critère, Erminie Blondel est indubitablement une Traviata qui compte et qu’il faut suivre.

Matthieu Justine est très exactement l’Alfredo qui convient à sa partenaire. Outre qu’il a la capacité d’offrir au personnage sa silhouette juvénile et ses allures de fils de bonne famille, l’artiste a surtout dans le gosier la voix et les qualités nécessaires pour composer un Alfredo solaire et bien chantant. Familier des rôles mozartiens et des héros du romantisme belcantiste, le jeune ténor français n’est pas pour autant illégitime à chanter Verdi et l’on sent, à l’écouter, qu’il a fait son miel des enregistrements d’Alfredo Kraus et du légendaire live lisboète de 1958. Dès le brindisi du premier acte, Matthieu Justine use d’aigus percutants et de nuances qui conférent à son chant une élégance un peu old school mais diablement enthousiasmante. Le tableau à la campagne et l’agonie de Violetta offrent au chanteur ses plus beaux moments : dans la cabalette « O mio rimorso », il réussit à trouver des accents proprement virils tandis que dans « Parigi, o cara » son chant se dépouille de toute fioriture pour ne toucher qu’à l’émotion pure.

Arrivé tardivement dans cette production après que l’épidémie de Covid a empêché Leonardo Galeazzi d’achever les répétitions, Kristian Paul relève le gant d’interpréter un Germont rigide et profondément humain à la fois. Il n’y a guère que par ses déplacements hésitants qu’on peut deviner que le baryton béarnais n’a pas répété aussi longtemps que ses camarades car par ailleurs le rôle de Giorgio Germont est parfaitement interprété, le timbre profond et le phrasé idiomatique. Le grand duo du tableau campagnard est merveilleusement écrit et Kristian Paul s’y engage éperdument au point que, lorsqu’il dialogue avec Violetta, ses accents sont si paternels et sincères qu’on ne sait plus très bien si on assiste à une représentation de Traviata ou de Rigoletto !

Le reste de la distribution est à l’unisson des trois rôles principaux : aucun artiste ne fait de l’ombre à ses camarades mais tous concourent à la réussite conjointe du spectacle. Retenons cependant le timbre pulpeux et l’élégance de la ligne de chant de Ahlima Mhamdi dans le rôle de la courtisane Flora Bervoix ainsi que la silhouette toujours affairée et la voix saine de la soubrette Annina incarnée par l’artiste d’origine japonaise Noriko Urata qui a, pour ce spectacle, appris à servir le champagne dans les règles de l’art, le pouce dans la piqûre du flacon ! A leurs côtés, aucun comprimario ne démérite : Guilhem Souyri est un marquis d’Aubigny roué mais dupé au cours de la fête chez Flora, Jiwon Song prête son timbre sombre au veule baron Douphol, Joseph Kauzman arbore un sourire solaire qui convient parfaitement au personnage de Gastone et Jérémy Brocard impose en quelques interventions bien timbrées un docteur Grenvil sage et bienveillant. Un peu raide et maladroit dans ses déplacements, le chœur de l’Ensemble lyrique Champagne Ardenne (ELCA) est parfaitement à son affaire dans les scènes de fête, tout particulièrement dans le récit «È Piquillo un bel gagliardo ».

A la fin du spectacle, la chaleur des applaudissements du public rémois et plus encore les démonstrations de joie des artistes qui se congratulaient entre eux sur scène après la tombée du rideau témoignent de l’enthousiasme sincère suscité par ce spectacle à la fois modeste dans ses intentions et intelligent dans sa mise en oeuvre. Lorsque tout concourt à faire de cette Traviata un précieux moment d’opéra, on ne peut que regretter qu’elle ne soit jouée que trois fois.