Du Rossini serio le grand public ne connait souvent que l’ouverture de Guillaume Tell qui peut être excessivement boursoufflée lorsqu’elle est mal dirigée. C’est tout le mérite du chef maison, Daniele Rustioni, de mettre son italianità et sa science de la direction musicale au service de la subtilité de l’orchestration rossinienne. Dégraissée de ces excès et d’une certaine tradition pompière, la partition de Moïse et Pharaon sonne ici de manière étonnement moderne et rappelle que Rossini fut aussi surnommé « il tedeschino » (le petit Allemand). D’une durée de près de trois heures de musique, cet opéra compte effectivement peu de numéros et quasiment pas d’airs à proprement parler au profit de nombreuses prières et de longues déclamations que l’orchestre doit accompagner et soutenir comme il ferait dans un oratorio. Ce travail d’orfèvrerie musical, le chef Rustioni s’en acquitte d’une battue alerte mais sans jamais précipiter aucun tempo. Son attention à l’équilibre fosse/plateau est constant et sa main gauche est un repère précis pour les chanteurs comme pour les instrumentistes.

Sous la baguette de son Directeur musical, l’orchestre de l’Opéra de Lyon sonne comme une mécanique parfaitement réglée, d’autant que la phalange avait déjà assuré les représentations du festival d’Aix-en-Provence six mois plus tôt. Rossini n’a pas son pareil pour souligner ses mélodies de traits de flûtes ou pour les accompagner d’arpèges arachnéens de harpes. À tous ces pupitres, le chef peut compter sur des instrumentistes solides et précis. Dans les tutti, la pâte orchestrale garde tout son brillant et son homogénéité et l’ensemble des musiciens reçoivent en fin de représentation une ovation méritée de la part du public comme des chanteurs.

Sur le plateau, le chœur lyonnais est un acteur essentiel du drame et l’un des grands triomphateurs de la soirée. Sollicitée à tous les actes, cette masse chorale est pour l’une des premières fois chez Rossini un personnage à part entière du drame, annonçant par là l’usage qu’en fera Giuseppe Verdi une quinzaine d’années plus tard. Quoique chantant en français, les chœurs de Moïse et Pharaon sont indéniablement l’une des sources de Nabucco et du tubissime « Va pensiero » et les artistes du chœur lyonnais les servent avec noblesse et émotion, le cantique final terminant la représentation en apothéose émotionnelle.

Du côté des voix solistes, la reprise lyonnaise de ce spectacle confirme la majeure partie de la distribution aixoise à l’exception notable des rôles lourds de Pharaon, Anaï et Aménophis. À tout prophète, tout honneur : Michele Pertusi porte sur ses épaules une part importante de la réussite musicale de la soirée. Son Moïse n’est cependant pas une découverte : il a déjà chanté ce rôle à Pesaro en 1997, une captation filmée et un coffret CD en gardent le souvenir et, dernièrement, il lui prêtait sa voix dans la cour du théâtre de l’Archevêché. De production en production, la basse parmesane a donc eu tout le loisir de peaufiner son interprétation et d’ajuster à sa mesure la défroque du prophète. En Moïse, Michele Pertusi sait faire valoir d’autres qualités que son legato et son aisance à vocaliser dans les graves. Sa déclamation du français est parfaitement compréhensible du public, l’autorité de son accent est souveraine et il émane de tout son personnage une aura charismatique que les artistes des temps passés représentaient souvent sous la forme de rayons de lumières irradiant du front de Moïse.

Nouvel arrivé sur cette production, Alex Esposito se glisse sans difficulté dans le costume bleu-acier du Pharaon et atteste par son jeu d’acteur qu’il s’est parfaitement fondu dans les intentions du metteur en scène. Personnage complexe et tourmenté, son roi d’Égypte est cependant vocalement solide et sonne d’un beau timbre sombre de baryton-basse. Si le chant rossinien est parfaitement naturel à cet artiste bergamasque, lui aussi, comme Pertusi, semble avoir énormément travaillé la déclamation du français et leur affrontement au début du deuxième acte « Je réclame la foi promise » est un moment précieux de belcanto crépusculaire.

Succédant à Pene Pati, Ruzil Gatin prête sa voix typiquement rossinienne au fils de Pharaon, Aménophis. Le timbre léger et clair, l’émission claironnante, sa familiarité avec le vocabulaire stylistique du romantisme belcantiste sont autant d’atouts qui assoient sa performance comme une réussite musicale. L’acteur a cependant tendance à histrionner et à souligner du geste des intentions qui sont déjà parfaitement dosées dans son chant : dans une production dont Tobias Kratzer a millimétré le jeu des chanteurs, ces petites scories seront probablement vite corrigées et son interprétation du jeune prince déchiré entre l’amour et la vengeance gagnera encore en pertinence.

Les autres voix masculines sont chacune parfaitement en place et renouvellent le petit miracle des nuits aixoises du Festival 2022. En Eliézer, le ténor stambouliote Mert Süngü compose un personnage engagé à la voix saine et ronde. Dès la pantomime de l’ouverture, sa silhouette imprègne la rétine du spectateur par son jeu subtil et habité tandis que chacune de ses interventions vocales confirme le talent d’un beau chanteur en devenir. Après Armide à l’Opéra-comique où il incarnait en novembre dernier un satrape vieillissant, Edwin Crossley-Mercer trouve en Osiride un personnage de méchant sournois qu’il s’agit de rendre crédible au public. Silhouette élégante dans un costume impeccablement taillé, le baryton-basse franco-irlandais use d’un timbre d’airain, homogène sur toute la tessiture, pour déclamer au troisième acte « Avant de quitter ce rivage ». Chacune de ses interventions est brève (c’est lui qui prête aussi sa voix à Yahvé dans la scène du buisson ardent) mais parfaitement en place. Quant à Alessandro Luciano, son personnage occupe souvent la scène mais le personnage d’Aufide n’a à se mettre en bouche qu’une dizaine de vers dans la scène du Nil couleur de sang : il les assume crânement, d’un timbre de ténor solidement tenu et attentif à la musique de la prosodie française.

Dans un univers essentiellement masculin, les voix féminines chères au cygne de Pesaro réussissent malgré tout à exister et à toucher. Nouvelle arrivée dans cette production, Ekaterina Bakanova prête son séduisant timbre de soprano au personnage d’Anaï. L’artiste est subtile, fine comédienne, et s’est approprié à force de travail tous les codes du chant italien. Est-ce le trac de cette Première – ou la fatigue d’une représentation de trois heures ? – mais quelques aigus ont paru tendus dans le duo du dernier acte « Jour funeste, loi cruelle ».

Comme à Aix et Pesaro en juillet 2021, Vasilisa Berzhanskaya prête à la femme de Pharaon, Sinaïde, sa blondeur et la pulpe charnue de son timbre de mezzo. Les voix slaves, lorsqu’elles se sont approprié les codes du belcanto, ont souvent un pouvoir de séduction inouï : la chanteuse russe possède indéniablement ce talent de vocaliser avec autorité, de nuancer l’émission du son et de produire des graves qui roulent comme des galets au fond d’un torrent. L’air du deuxième acte « Ah ! d’une tendre mère » et le duo avec Aménophis – remarquablement écrits par Rossini – sont des moments de grâce absolus.

Dans un rôle plus modeste, Géraldine Chauvet défend sur la scène de l’Opéra de Lyon l’honneur de l’école de chant français puisqu’elle est la seule francophone de tout le casting. Son personnage de Marie n’a pas d’air pour briller mais un joli duo mère-fille avec Anaï qui offre à la mezzo tourangelle l’occasion d’un moment de chant sensible et appliqué.

Si l’on ajoute à cette grande soirée d’opéra le fait que le maestro Daniele Rustioni ait intégré l’incontournable ballet du troisième acte et que Jeroen Verbruggen ait réglé une chorégraphie parfaitement équilibrée entre la technique classique et le vocabulaire de la danse contemporaine, le public lyonnais a pu bénéficier en une seule représentation d’une expérience totale d’opéra-citoyen. Elles ne sont pas si nombreuses ces soirées lyriques d’où l’on ressort l’oreille charmée et le cœur revigoré de savoir l’opéra vivant, ancré dans son siècle et acteur des débats du moment.