La Monnaie redonne sa chance au HENRY VIII de Saint-Saëns

La mise en scène d’Olivier Py s’attache moins à la trame narrative qu’à la peinture des caractères, mais aussi à l’évocation des bouleversements « moraux, économiques, politiques et religieux » propres à la fin du XIXe siècle (dixit la note d’intention du metteur en scène dans le programme – raison pour laquelle les décors et costumes du XIXe prédominent, à côté de quelques éléments renaissants. Le spectacle comporte quelques scènes fortes, parfois saisissantes (le supplice de Buckingham, la scène du synode, les allégories de la mort surgissant littéralement d’une toile représentant le Jugement dernier), dont certaines trouvent plus ou moins facilement leur justification : l’allusion récurrente à la Crucifixion du Tintoret (celle de l’Accademia de Venise et non de San Rocco) est surtout là pour permettre au ballet, au début du second acte, de proposer un « tableau vivant » dans lequel la figure de Buckingham se confond avec celle du Christ. Quant au quatrième acte, censé se dérouler « dans la retraite de Catherine, à Kimbolth », il prend place de façon inattendue dans une gare dont l’un des murs se fracasse « en direct » sous l’assaut d’une locomotive incontrôlée. Chacun y verra, à sa guise, une image des bouleversements sociétaux évoqués plus haut, de l’abandon et de la solitude de la reine Catherine livrée à elle-même et privée de port d’attache, ou de la violence des passions destructrices qui frappent les personnages… Quoi qu’il en soit, la mise en scène porte la patte d’Olivier Py, avec certains éléments typiques de l’esthétique qu’il affectionne (ces pans de décors noirs pivotant sur eux-mêmes – la scénographie est signée Pierre-André Weitz), mais aussi des autocitations peut-être un peu paresseuses (le crucifix tombant brutalement du mur, une image empruntée à la mise en scène de Manon).

Musicalement, il nous faut une fois de plus louer la qualité du travail mené par Alain Altinoglu à la tête des excellents orchestre et chœur de la Monnaie : la direction du chef, flamboyante, sait se faire intimiste et recueillie lorsque les situations l’exigent – et permet de conférer à l’œuvre la continuité dramatique qui lui fait parfois défaut. Comme toujours à la Monnaie, les seconds rôles (nombreux dans cette œuvre) sont très soignés. S’en détachent notamment le ténor Ed Lyon pour son implication et la qualité de son français, les excellents Enguerrand de Hys et Werner van Mechelen (respectivement Surrey et Norfolk). Quant à Vincent le Texier, il confère aux propos du Cardinal Campeggio une autorité et une noirceur exceptionnelles.

Les deux rôles féminins ont été distribués à deux types de voix très différents, et pas seulement en raison de leurs tessitures respectives : de façon inattendue, des caractéristiques de l’un sont celles qu’on imaginerait plutôt être celles… de l’autre – ce qui permet des caractérisations de la Reine Catherine et d’Anne de Boleyn assez originales : à Anne de Boleyn revient en effet le velouté, la douceur, le caractère capiteux du timbre de Nora Gubisch ; à Catherine l’émission tranchante et fière de Marie-Adeline Henry, dont la projection vocale impressionne – au prix, parfois, de certaines duretés dans l’aigu.

Quant à Lionel Lhote, il trouve en Henry VIII un rôle à la mesure de son très grand talent : noblesse et clarté de la déclamation, qualité d’un timbre gardant son velouté sur toute la tessiture, interprétation sensible et nuancée, convaincant dans la noirceur, la violence comme dans l’introspection, le chanteur belge apparaît ici comme le très digne héritier des barytons francophones qui, d’Ernest Blanc à Robert Massard (pour ne citer qu’eux), ont fait les beaux jours du chant français au XX^e siècle.