Clap final de saison à Nice avec La Bohème vue par Kristian Frédric

Sur son lit de mort, Emma Bovary entend quelqu’un qui chante dans la rue : « L’aveugle ! » s’écrie-t-elle, se rappelant de ce mendiant grotesquement défiguré qui hante plusieurs épisodes de sa vie comme un cauchemar ambulant. Si la critique littéraire s’est souvent divisée sur la signification de ce personnage mystérieux et effrayant dans lequel certains voient une figure mythologique (l’une des trois Parques ?), d’autres la représentation de la conscience ou même de la damnation de l’héroïne du roman de Flaubert, il ne faisait guère de doute pour le spectateur de La Bohème mise en scène par Kristian Frédric que l’omniprésence du personnage de Parpignol – pourtant secondaire dans le livret de Giacosa et Illica – sous les traits, tout d’abord, d’un laveur des rues incitant Mimi, dès la fin du premier acte, à s’emparer d’une poupée qu’il lui tend puis de l’habituel vendeur ambulant de jouets du Quartier Latin, allait tenir ce même rôle ! À la fois inquiétante et ramenant les personnages principaux – Mimi, Musette, Marcello – à leur propre destin, cette figure protéiforme de la Mort dans la vision du metteur en scène – également concepteur des lumières – se retrouvera dans d’autres avatars : de la présence d’un crâne sur la table de travail de Rodolfo – évoquant la composition d’une vanité – jusqu’au groupe d’enfants, devant le café Momus, réclamant des cadeaux à Parpignol puis réapparaissant sous la conduite d’une petite fille, tous à visage couvert d’un masque mortuaire, devant le lit médicalisé où s’éteindra Mimi. Une image que l’on n’oubliera pas de sitôt, une fois la représentation terminée.

La lecture de Kristian Frédric a donc souhaité transposer l’action de l’ouvrage dans le Paris du début des années 1990, au moment où le sida, l’une des épidémies les plus terrifiantes de l’histoire de l’humanité – quelque trente six millions de victimes dans le monde depuis son apparition aux Etats-Unis en 1981 – commence à déclencher une onde de choc médiatique, du fait de la révélation des noms de personnalités qui en sont victimes (Rock Hudson, Anthony Perkins, Jacques Demy, Rudolf Noureev, Freddie Mercury…), mais reste encore alors mal connu de l’opinion publique, souvent propice aux pires jugements de valeur le concernant… En amorce de l’acte III, le metteur en scène diffuse ainsi des extraits audio d’interviews de personnes ayant découvert, en ces années 1990, presque par hasard pour certaines, ce que signifiait leur séropositivité ; de même, au début du deuxième acte, l’annonce dans les médias de la mort de Freddie Mercury fait l’objet d’un long – trop long peut-être ? – intermède sur fond de projections vidéos de celui qui était alors une figure incontournable du monde de la fête et de la nuit et dont l’homosexualité ne fut révélée que la veille de sa disparition… L’ombre de la rock-star est d’ailleurs visible dans cette production lorsqu’au début du dernier acte Marcello – ici photographe – prend des clichés de Rodolfo, coiffé de la couronne et revêtu du célèbre manteau royal du co-fondateur du groupe Queen !

Si certaines de ces bande-son – plus ou moins bruitées – ont semblé trop envahissantes aux délicates oreilles d’une partie du public – à moins que ce ne soit les quelques vidéos, parfois provocatrices (?) de Freddie Mercury dont le visage en lente décomposition, dans une création impressionnante signée Dominique Jaussein, nous ramène pourtant à ce leitmotiv de la Mort… – si même certains spectateurs désertent leur fauteuil à l’entracte[1], cette nouvelle production a, dans l’ensemble, le mérite de la cohérence. Pourtant, même si certaines images évoquées précédemment sont fortes, le volet nécessairement festif, nocturne et décadent qui devrait résulter de la figure tutélaire de Freddie Mercury et de cet esprit de fuite en avant particulièrement symptomatique chez cette génération n’apparait que très peu et malheureusement pas dans le cadre pourtant propice du deuxième acte ni, surtout, d’un troisième acte ici transposé de la barrière d’Enfer vers la sortie d’une discothèque suburbaine à prédominance gay voire sado-masochiste, Le Sphinx, dont la mise en scène n’a pas réussi à exploiter les splendeurs musicales faites de cet exceptionnel contraste, sur fond de flocons de neige, entre le naturalisme populaire et les sentiments des personnages principaux : c’est, selon nous, le seul vrai échec de cette production.

[1] Ce fut en particulier le cas d’un malheureux couple de spectateurs, situés juste derrière mon fauteuil, dont les deux premiers actes de cette représentation, à en juger par les soupirs émis par l’un et l’autre, a dû relever d’un absolu « chemin de croix » … !