L’admiration de Charles Gounod pour William Shakespeare vaut à Roméo et Juliette une ouverture originale au cours de laquelle, devant le rideau encore baissé, l’ensemble des solistes viennent à l’avant-scène et recomposent le chœur des tragédies antiques. Dès que résonnent les premiers accents a capella « Vérone vit jadis deux familles rivales », la rigueur de l’attaque et l’harmonie des timbres augurent que le plateau réuni pour cette production tiendra l’essentiel de ses promesses.

On se souvient qu’il y a deux ans la création de ce spectacle salle Favart avait eu lieu dans un contexte épidémique et que Jean-François Boras – contaminé – avait dû être remplacé in extremis par le ténor samoan Pene Pati pour la Première ! C’est peu dire que les débuts de son frère cadet, Amitai Pati, dans le rôle de Roméo étaient attendus par tous les admirateurs de cette fratrie de jeunes artistes talentueux venus du bout du monde. Pour un chanteur encore inexpérimenté dont les collaborations à des productions scéniques se comptent sur les doigts d’une main, ces premiers pas dans un rôle majeur du répertoire sont une entière réussite. Si les premières répliques du personnage (« Non, non, vous l’avez promis : soyons prudents ! ») sonnent lointaines par manque de projection, le Roméo d’Amitai Pati ne tarde pas à gagner en confiance dès le madrigal du pèlerin et à s’imposer au début du deuxième acte dans le tubesque « Ah, lève-toi soleil » que le ténor délivre avec une subtilité de variations et une élégance de la diction qui font tout le prix de cette cavatine. Rien ne manque à la palette des talents de ce jeune chanteur, ni des mezze voci de velours, ni des aigus solides et sonores sans être outrageusement claironnants. Chacun des grands duos d’amour composés par Charles Gounod offre au ténor l’occasion d’approfondir la psychologie de son personnage et de livrer une interprétation complexe et solaire du jeune héros shakespearien : parmi ces pages, on retiendra surtout le duo du rossignol et de l’alouette qu’Amitai Pati investit d’une émotion à fleur de peau ainsi que tout le final qu’il interprète d’un timbre désormais délié de toute contrainte, la voix libérée de toute appréhension. Le récit « Salut tombeau sombre et silencieux » frissonne de passion et culmine dans la mort des héros que le jeune homme interprète sobrement, sans ports de voix inutiles ni excès véristes de mauvais goût. Au rideau final, le visage transfiguré par un sourire, Amitai Pati savoure longuement les ovations du public rouennais et lève le poing dans un geste de défi, comme s’il s’était fait la promesse de réussir un jour à chanter ce rôle si important déjà dans la carrière de son aîné. Force est de reconnaître que le pari est tenu.

En Juliette, Olga Kulchynska fait elle-aussi un triomphe à l’applaudimètre du rideau final. À l’inverse de son partenaire, la chanteuse ukrainienne n’a qu’à entrouvrir les lèvres pour que son opulent timbre de soprano emplisse le théâtre des Arts avec une déconcertante facilité. Mais l’artiste ne se contente évidemment pas de produire des décibels : dès son entrée en scène et l’ariette « Ah, je veux vivre », elle habite le rôle de Juliette et donne une immédiate crédibilité à ce personnage de jeune fille délurée, prête à envoyer valser les conventions pour vivre la passion qu’elle a senti s’allumer dans son cœur à la vue de Roméo. Le deuxième acte est pour Olga Kulchynska une véritable prouesse physique et artistique : combien de chanteuses sont capables aujourd’hui de délivrer un chant aussi fluide, des sons filés aussi subtilement tenus et des coloratures aussi précises tout en étant perchées à six mètres au-dessus du sol, sur une corniche en surplomb d’à peine une cinquantaine de centimètres de large ? Après cette performance, tout semble simple à la chanteuse, y compris l’Everest de sa seconde grande aria « Amour, ranime mon courage » qu’elle interprète de manière hallucinée, la voix insolemment projetée, ductile et souple, avec des notes aiguës coupantes comme des diamants. À l’unisson de son Roméo, Olga Kulchynska habite le dernier acte et en propose une interprétation palpitante qui rend crédible le geste désespéré de se trancher les poignets pour rejoindre son époux dans la mort.

La partition de Roméo et Juliette fait la part belle aux voix graves dans toute une série de personnages secondaires mais indispensables à la progression du drame. À tout seigneur, tout honneur : Jean-Fernand Setti campe un Capulet aux allures de Guépard viscontien. La taille bien prise dans son costume de noceur, il impressionne surtout par la clarté de son phrasé, l’élégance de sa ligne de chant et les couleurs mordorées de son solide timbre de baryton-basse. Tout aussi impressionnante est la voix abyssale de Jérôme Varnier à qui la soutane et le surplis vont comme un gant ! En Frère Laurent, ce bel artiste donne à entendre un timbre sombre et chaleureux qui convient idéalement à la bonhommie bienveillante de cet ecclésiastique prêt à tout pour aider les amours de ses jeunes protégés. La scène du mariage, au troisième acte, est très réussie : Jérôme Varnier s’y révèle fin diseur et capable d’étirer les notes vers les graves sans jamais les détimbrer. Philippe-Nicolas Martin ne passe pas lui non plus inaperçu : silhouette athlétique et allure décontractée en bras de chemise, il incarne un Mercutio plus proche des Peaky Blinders que d’un gentilhomme véronais de la Renaissance. Sympathique camarade de beuverie au premier acte, il se révèle ami fidèle et courageux compagnon dans la grande scène d’affrontement avec les Capulets au troisième acte, sa dextérité à manier le couteau forçant l’admiration. Mais là encore, c’est la voix qui séduit ! La ballade de la reine Mab est interprétée avec allant, d’un solide timbre de baryton aux éclats de bronze qui n’exclut pas les nuances et l’allégement indispensable de certaines notes de passage. Le combat avec Tybalt est un des points d’acmé de la partition : Philippe-Nicolas Martin y est d’une présence incandescente et la justesse de ses imprécations témoigne d’une incarnation habitée de son personnage. Plus décevante est la courte intervention de Halidou Nombre en duc de Vérone : malgré l’élégance de la diction, l’instrument manque incontestablement de présence et d’autorité.

Tybalt compte au nombre de ces méchants d’opéra qu’on adore détester mais il est souvent distribué à de jeunes ténors au timbre aigrelet ou nasillard. Julien Henric nous épargne ces déconvenues et propose une interprétation de son personnage fondée sur une voix ronde et saine, la diction se révélant mordante dans les passages les plus dramatiques comme quand Tybalt reconnait Roméo dans le jeune seigneur qui se masque hâtivement lorsqu’il le surprend en compagnie de Juliette. Sarah Laulan fait preuve du même naturel et incarne une Gertrude mère poule aux interventions sonores et gaillardes.

L’audace musicologique de cette production est de confier le rôle du page Stéphano au sopraniste brésilien Bruno de Sá que quelques vidéos virales ont rapidement contribué à faire connaître au cours des dernières années. La veste trop large et le chapeau qui surmonte sa silhouette de farfadet dessinent une sorte de personnage de la Comedia dell’arte qui transcende la scène de la sérénade au milieu du troisième acte. « Que fais-tu blanche tourterelle » est chanté avec crânerie d’un timbre clair et ensoleillé, la voix de Bruno de Sá se pliant avec agilité aux changements de rythme et aux coloratures que Gounod a composés à l’origine pour une voix de soprano féminin.

Benoît-Joseph Meier, Arnaud Richard, Julien Clément et Vincent Eveno font mieux que jouer les utilités : les quelques répliques de leurs personnages sont véritablement incarnées et témoignent pour chacun de solides moyens vocaux.

Quant aux artistes du Chœur accentus, c’est aussi bien à leurs talents de danseurs qu’à leurs qualités vocales que la production d’Éric Ruf fait appel. À la fête des Capulets, ils assurent une présence chantante et dansante qui donne à ce tableau une dimension quasi cinématographique mais c’est surtout dans la grande déploration du troisième acte, après la mort de Tybalt, que le chœur réussit à trouver des accents désespérés absolument bouleversants.

En fosse, c’est Pierre Dumoussaud qui conduit les forces de l’Orchestre de l’Opéra Rouen Normandie et qui choisit de colorer son interprétation d’influences germaniques qui font ressembler certains accents de l’ouverture aux compositions du jeune Wagner. Les cuivres sont rutilants, parfaitement à l’unisson, et la précipitation des tempi impose dès le premier acte un rythme qui, sans déstabiliser les chanteurs, intrigue l’oreille mais va finalement dans le sens de la dramaturgie imaginée par Éric Ruf. Les pupitres des cordes ne sont pas en reste : que ce soit dans l’intermède de la nuit, au début du deuxième acte, ou dans le sommeil de Juliette – juste avant la scène du tombeau – le Maestro obtient des violons et des violoncelles un frémissement parfaitement contrôlé et des sanglots qui font écho à l’émotion du drame. Deux scènes enfin, musicalement très réussies, attestent de l’affinité de Charles Gounod avec le grand répertoire religieux : il s’agit du mariage des jeunes amants et de la marche nuptiale du quatrième acte. Cette dernière, interprétée depuis la coulisse à l’orgue par Frédéric Hernandez, est à la fois solennelle et parfaitement intériorisée.

À l’issue du spectacle, ce sont d’abord les personnels techniques de l’Opéra Rouen Normandie qui s’avancent à l’avant-scène pour recevoir les applaudissements du public. En ce temps compliqués pour l’art lyrique, l’initiative est à saluer.