Elle voulait chanter Cabaret : La bohème prend pension au Moulin Rouge sur la scène de l’Opéra de Metz

Le dérèglement climatique et la crise écologique sont des réalités devenues tellement prégnantes qu’aucune maison d’opéra ne peut plus se dispenser d’une réflexion sur la durabilité de ses spectacles et sur le gâchis que peuvent représenter des décors et des costumes conçus pour une série de quatre ou cinq représentations seulement avant d’être mis au rebut… Disposant d’ateliers et d’artisans capables de créer par eux-mêmes l’ensemble d’une production, l’Opéra de Metz aurait pu considérer que c’est un incontestable atout de pouvoir compter sur ses propres savoir-faire mais il a choisi, en confiant cette Bohème à la décoratrice Valentina Bressan, d’entrer dans une logique de spectacle durable en recyclant de vieux éléments de décor.

Ancienne étudiante de la Green Management School et titulaire d’un master de management de la transition écologique, chargée depuis 2021 par l’Opéra de Paris d’établir une feuille de route pour mettre en œuvre le développement durable dans les institutions lyriques de la capitale, Valentina Bressan s’était déjà essayé à l’exercice du réemploi lorsque la scène messine lui avait passé commande en 2017 d’un spectacle conçu pour expérimenter la faisabilité du recyclage d’anciens éléments de décors afin de créer un nouveau spectacle. Mais comment s’y prendre ? Piocher indifféremment dans les entrepôts de l’ancienne base aérienne de Frascati, où l’Opéra de Metz conserve ses anciennes productions, et mettre sur pied un spectacle patchwork à l’esthétique bariolée ? Ce serait oublier que des décors et des costumes demeurent la propriété intellectuelle des artistes qui les ont conçus et qu’il est impossible de les réutiliser sans autorisation au service d’une nouvelle production.

C’est la raison pour laquelle, en 2017, le choix de Valentina Bressan s’était porté sur les décors d’Un amour en guerre qu’elle avait imaginés trois ans plus tôt pour la création d’un opéra de Caroline Glory sur un livret de Patrick Poivre d’Arvor dans le contexte des festivités du centenaire de la Grande Guerre. Comment réutiliser ces décors ancrés dans une esthétique Belle Époque ? Quelle œuvre du répertoire pouvait naturellement s’y inscrire sans qu’il soit nécessaire d’y faire de grosses transformations ? La Bohême de Puccini s’était alors imposée comme une évidence et Valentina Bressan avait pu retravailler sa propre scénographie pour l’adapter à la mise en scène de Paul-Émile Fourny sans qu’à l’époque ce souci d’économie durable ait vraiment fait l’objet d’une médiatisation particulière.

Six années ont passé et le dérèglement climatique s’est encore accentué. C’est probablement la raison pour laquelle ce réemploi fait à présent l’objet d’un article dans les premières pages du programme de salle et que l’Opéra de Metz communique abondamment sur ce spectacle vertueux à l’impact écologique réduit. Mais la bonne conscience écologique suffit-elle à garantir l’intérêt de cette Bohême ? Évidemment non. On sait gré en revanche à Paul-Émile Fourny d’avoir su imaginer à partir de ces décors recyclés une mise en scène élégante qui fouille de manière inédite la question de la vocation d’artiste et du passage de la vie de bohème à l’âge adulte.

Suffit-il d’avoir du talent pour réussir à vivre de son Art ? C’est l’épineuse question à laquelle sont confrontés les quatre jeunes gens qui partagent une mansarde perchée sous les toits de la place Blanche, à Paris. Si le metteur en scène confesse s’être inspiré de l’univers du film Moulin Rouge de Baz Luhrmann récompensé en 2001 par les oscars des meilleurs décors et de la meilleure création de costumes (au deuxième acte, le numéro de cabaret de Musetta est un joli hommage à la scène de la balançoire avec Nicole Kidman), il y a aussi dans ce spectacle des références plus ou moins subliminales au plus académique French cancan de Jean Renoir, voire à l’univers onirique de Georges Méliès lorsqu’un visage lunaire traverse les cintres pendant le tableau du café Momus.

Jeunes adultes impécunieux et bourrés de talent, les héros de La Bohème sont-ils tous capables de forcer le destin et de gagner leur vie en exerçant leur Art ? À la loterie des carrières artistiques, tous ne sont pas gagnants, hélas. Trente ans avant Matisse, Marcello fait preuve d’avant-gardisme et travaille les silhouettes de papier découpé lorsqu’il ne collabore pas au grand décor à fresque de la façade de l’hôtel de la barrière d’Enfer. Las, son talent n’est remarqué par aucun galériste ni mécène et il en est réduit, au dernier acte, à honorer les commandes de clients aux goûts pontifiants qui lui réclament des copies de L’Angélus de Millet ! Plus chanceux est Schaunard qui parvient à se faire engager comme musicien dans un orchestre symphonique. Après les concerts, sans même prendre le temps de quitter sa queue de pie et sa cravate blanche, il passe prendre des nouvelles de ses anciens colocataires et vient respirer l’air de la vie de bohème dans la mansarde où s’est consumée sa jeunesse. Musetta elle aussi voit la fortune lui sourire : d’abord artiste de cabaret obligée de se faire entretenir par de riches bourgeois, elle réussit à se faire embaucher comme professeure de chant à l’auberge de la barrière d’Enfer et reparait au dernier acte dans les atours d’une dame élégante et respectable.

Combien le sort est plus cruel pour la cousette Mimi ! Dévorée de phtisie et séparée de Rodolfo, elle est sortie de la misère et de la dépravation par Musetta qui, en bonne camarade, la pistonne pour qu’elle soit embauchée à sa place au Moulin Rouge comme artiste de music-hall. À la fin du spectacle, lorsque Mimi agonisante reparait dans la mansarde, elle porte le corset pailleté, les bottines à lacets et le mantelet de satin rouge qui composait le costume de scène de Musetta au deuxième acte. Jetée au pavé par la maladie, la modeste couturière est allée se brûler les ailes aux feux des projecteurs et, comme les oiseaux qui se cachent pour mourir, c’est au nid de son amour qu’elle vient rendre le dernier souffle.

Ces tragiques amours ont-elles empêché Rodolfo d’accomplir sa vocation de poète ? Paul-Émile Fourny ne l’affirme pas frontalement mais la présence à l’avant-scène, d’un bout à l’autre du spectacle d’une machine à écrire et d’une petite table à laquelle il vient souvent s’asseoir témoigne probablement que Rodolfo ne s’est jamais arrêté d’écrire depuis sa rencontre avec Mimi. Commençant à prendre des notes tandis qu’elle lui confie qu’elle ne va pas souvent à l’église mais qu’elle prie néanmoins le Seigneur, le jeune poète tient la chronique de ses amours et la transfigure dans un roman dont l’opéra auquel nous assistons est une adaptation. Dans ce sens, le personnage de Rodolfo se confond avec la figure d’Henri Murger dont les Scènes de la vie de bohème ont inspiré Puccini (mais aussi Leoncavallo, dont l’opéra homonyme du roman français sera créé en 1897, un an après l’œuvre de Puccini) ; à la différence de Marcello et Mimi, l’écrivain conjure donc la malédiction de la vie de bohème et accomplit in fine sa vocation.

Originale et pertinente dans sa manière de retracer ces destins d’artiste plus ou moins aboutis, la mise en scène de Paul-Émile Fourny séduit aussi par quelques tableaux joliment troussés et des images artistement croquées à la manière des dessinateurs de la place du Tertre. Pêle-mêle, on retiendra notamment la baie vitrée qui, tout au long du premier acte, permet d’entrapercevoir ce qui se passe sur le palier de la mansarde des bohémiens et de découvrir toute la diversité des existences qui se croisent dans la cage d’escalier d’un immeuble haussmannien. Au deuxième acte, déjouant le piège de l’exiguïté de la scène messine, la scénographie accueille d’abord le spectateur sur le trottoir, devant le Moulin Rouge, puis le glissement d’un grand rideau rouge nous introduit dans la salle du cabaret, parmi les guéridons à plateau de marbre, pour assister à un numéro de danse inspiré des croquis de Toulouse-Lautrec. Relégué dans une loge d’avant-scène, le chœur d’enfants est à la fois spectateur et acteur de la retraite au flambeau et symbolise un trait d’union entre la salle et le plateau, le monde réel et l’illusion du spectacle. Au troisième acte, la simplicité de la barrière d’Enfer croquée en deux pans de mur et un alignement de quelques réverbères confinent à l’épure mais aident à recentrer le drame sur les silhouettes de Mimi, Marcello et Rodolfo.

Dans sa note d’intention retranscrite par le programme de salle, Paul-Émile Fourny écrit aussi qu’il s’est inspiré de l’univers steampunk (sic) pour évoquer les folles soirées de fête de la jeunesse parisienne… Les lumières au laser verdâtres qui viennent paresseusement danser sur le décor au dernier acte tandis que les quatre artistes s’essayent à danser la gavotte, le menuet, la pavane, le fandango et le quadrille sont-elles censées évoquer le rétrofuturisme ? Si oui, ce mélange des genres est indiscutablement raté et n’apporte hélas rigoureusement rien à une mise en scène dont la poésie tient précisément à son réalisme bon teint et à un jeu d’acteur millimétré.