Rencontre avec MARIE-LAURE GARNIER, étoile montante du chant français

Ce travail enrichissant m’a donné le goût d’aller chercher des ressources qui font appel au théâtre alors que je me dirigeais d’habitude vers les aspects dramatiques du chant lyrique. Le fait d’avoir pu étoffer ce rôle, aux interventions épisodiques, m’a donné l’opportunité de travailler sur l’aspect purement théâtral, d’aller chercher au fond de moi la source du comique. Dans ce registre, il y a possibilité de chanter avec ma voix plutôt ample tout en étant dans le jeu humoristique: une nouvelle facette de ma personnalité et de ma voix que je souhaite explorer et approfondir pour la faire découvrir au public.

S. T.-L. : En effet, vous étiez irrésistible de drôlerie excentrique en Junon ! [note : Platée de J.-P. Rameau, production 2022, dirigée par Hervé Niquet. Voyez ici le compte rendu de Romaric Hubert]. Cependant, la mélodie et le lied semblent un de vos terrains d’élection, probablement approfondis lors de votre résidence à l’Académie Orsay-Royaumont.  Ce soir, à l’Opéra Grand Avignon, vous interpréterez la version chambriste du Poème de l’amour et de la mer d’Ernest Chausson, lancement de votre album Chants nostalgiques (label b-records). Le mois dernier, vous interprétiez ce cycle de mélodies dans sa version originale avec orchestre, lors du concert anniversaire de l’Orchestre français des Jeunes (OFJ), sous la direction de Michael Schønwandt. Comment s’articule votre pratique vocale entre ces pôles : chambriste et orchestral ?
M.-L. G. : Ma prestation avec l’OFJ consistait à remplacer la chanteuse prévue et c’est donc un hasard si mes deux prestations se déroulent à trois semaines d’intervalle ! Le concert à la Philharmonie de Paris m’a été proposé la veille de la séance. De plus, pas dans la même tonalité que pour soprano, car la mezzo Adèle Charvet étant initialement programmée, l’OFJ n’a pas eu le temps de modifier sa préparation orchestrale. C’est une expérience très intéressante car il faut faire preuve de solidité d’une part, d’adaptabilité et d’écoute d’autre part. Cette riche expérience a été émouvante (j’étais très émue …) car j’ai senti que c’était un vrai travail d’équipe. Lorsqu’on chante au sein d’un collectif de musique de chambre, ce paramètre est présent à l’évidence puisque tous les partenaires sont solistes. En revanche, lorsqu’on chante avec l’orchestre, c’est beaucoup plus impressionnant : j’ai ressenti que chacun des jeunes musiciens était dans l’écoute et la disponibilité, en particulier pour coller au texte poétique. Avec le chef,  Michael Schonwandt, nous avons seulement eu 20 minutes en loge pour partager les aspects essentiels : les tempi, les moments à ménager, alors que France Musique captait le concert : quelle pression ! Cette expérience singulière m’a confortée dans le fait que j’adore cette musique ; j’ai envie de la porter en France comme à l’international, une musique passionnante, sous l’influence de Debussy et de Wagner. On sent que le retour des thèmes, en particulier dans Le temps des lilas [note : dernière partie du 3^e volet du triptyque de Chausson] illustre l’histoire qui se déroule en continu sur la narration sublime du poème. Cette opportunité m’a appris quelque chose, tant de la situation d’artiste lyrique que de mon potentiel à challenger (rires …).

S. T.-L. : Avec vos collègues instrumentistes, vous avez enregistré l’album Chants nostalgiques en direct (spécificité du label b.records) lors d’un concert à l’Estran de Guidel, après la résidence d’artistes au château de Kerbastic de la fondation Singer-Polignac. Est-ce une prise de risque par rapport au confort d’un studio ? Ou bien serait-ce un avantage lorsque votre public peut dynamiser cet art de la mélodie, à l’origine conçu pour l’espace semi-public du salon ?
M.-L. G. : Le préalable est d’avoir une équipe comme celle que nous formons avec Célia Oneto Bensaid au piano, ma complice depuis le CNSM, et le Quatuor Hanson : nous nous entendons très bien ce qui est important pour porter ce projet de mélodies françaises. Ce sont des musiciens à la fois sensibles à l’esthétique du son et au texte poétique. Ils laissent l’espace pour dire le texte tout en s’en imprégnant, puisque chaque poème appelle une forme d’impressionnisme ou de figuralisme. Effectivement, le travail en résidence, puis la captation en live sont inspirants : nous profitons de la magie du concert, empreint d’émotion, autant dans La Bonne chanson sur les vers de Verlaine que chez Chausson. En outre, la version chambriste des Chants nostalgiques de Charlotte Sohy est le premier enregistrement public : c’est donc un évènement ! D’autant plus émouvant que celui-ci s’est accompli en la présence du petit-fils de la compositrice !